El artículo al cual nos disponemos a adentrarnos nos mostrará cómo ya en tiempos medievales, la joyería y el coleccionismo, así como las leyes del mecenazgo, estaban presentes en un periodo histórico que presume de ser arcaico en sus formas de relación social, precoz en el sistema económico actual del cual hay muchas pinceladas que aún siguen presentes en nuestras formas de contrato laboral y por otro lado, de mente cerrada desde una perspectiva más religiosa y moral.

En el siglo XV, final de la Edad Media y comienzos del Renacimiento, la joyería experimentó cambios bastante significativos en términos de estilos y materiales volviéndose en sí, cada vez más elaborada y artística. En lugar de la simple funcionalidad o el simbolismo religioso de la joyería medieval temprana, la joyería del Renacimiento temprano, que poco a poco se fue haciendo paso, incorporaba más intrincados detalles y estilos ornamentados variados.

La joyería emblemática del siglo que nos ocupa es uno de los ámbitos más creativos y originales de la orfebrería gótica y podría incluir tanto la joya heráldica, las religiosas, las propias de la corte real e incluso algunas de simbolismo amoroso y poético. Por otro lado, resultan muy interesantes las técnicas que utilizaban; por ejemplo, es muy curiosa la técnica de fundición para crear coronas y broches, la filigrana a través de un hilo de metal para ir originando un entramado de patrones intrincados y delicados para elaborar principalmente para pendientes, anillos y otros adornos, la técnica del engaste y el grabado que llegaba a comprender el tallado de diseños en la joya sobre todo de iniciales y escudos de armas del propietario.

En resumen, la joyería emblemática generalmente se refiere a joyas que tienen un significado más allá de su valor estético o material, siendo portadoras de símbolos importantes en contextos históricos, culturales o políticos. Es importante destacar que, a medida que avanzaba el Renacimiento, la joyería se volvía más personalizada y reflejaba los gustos y la identidad de la persona que la llevaba, marcando una transición hacia estilos más refinados y artísticos. Pero, nos centraremos en Alfonso el Magnánimo (1396-1458) que, al igual que otros soberanos de su época, sucumbió de lleno en las modas emblemáticas y quiso lucir sus divisas en forma de sofisticada para el engalanamiento personal. Conocido también como Alfonso V de Aragón, fue un monarca que gobernó en el siglo XV y fue conocido por su mecenazgo en diversas áreas, incluyendo el arte y la cultura. Su legado quizás esté más relacionado con su papel en la promoción de las artes y las letras, así como en la influencia del Renacimiento en la península ibérica. Alfonso V de Aragón fue un impulsor de la cultura y las artes durante su reinado, particularmente en el Reino de Nápoles, donde gobernó. Fue un mecenas de artistas, humanistas y científicos de la época. Su corte fue un importante centro cultural y literario, atrayendo a figuras destacadas del Renacimiento.

Los cambios desafortunados que la vida en aquella época se hizo notar, la  fundición de metales como el oro o la plata para reutilizar el material, etc. acabaron casi con toda la joyería gótica.

A finales del s. XIV los reinos hispanos hacen suya esta tendencia y los príncipes empiezan a fundar órdenes militares. Alfonso el Magnánimo, rey de Aragón a partir de 1416 cae rendido a este mundo de lo emblemático y llega a reunir un magnífico tesoro de joyas. Será el heredero de la corona después de que su padre Fernando de Antequera suba al trono de Aragón en 1412. Normal sería que se inicie un inventario de todas las joyas, ropas y otras cosas. Durante varios años se irán anotando las entradas y salidas de objetos destinadas a este registro.

Justamente en 1451 los concelleres de Barcelona quisieron agraciar y persuadir al monarca regalándole dos piezas, siendo éstas una escultura de Santa Eulalia en oro y un cuenco de plata. No es de extrañar que se eligieran un collar como distintivo de la nueva orden que acaecía en 1400, año en el cual se fundaron la mayoría de las sociedades curiales y que optaron por collares extravagantes para prestigiar y distinguir a sus miembros, dejando atrás otros ornamentos textiles y joyas menos opulentas.

Destacaremos la devoción a María que les llevó a escoger un motivo iconográfico mariano en la típica práctica plástica de la época gótica, resaltando los lirios y las azucenas como símbolo de pureza e inocencia. Justo a este motivo religioso Fernando escogió otro emblema para connotar caballerescamente la orden. El collar se completó con un colgante en forma de grifo.

Posteriormente llegaría el turno de Nicolás de Gara, conde Palatino de Hungría, y de otros caballeros siendo uno de ellos inglés, y de escuderos a los que Malla impuso el collar por voluntad del Emperador, dejando constancia en sus escritos del júbilo de los condecorados. De imaginar sería una ceremonia protocolaria.

Fernando I moriría en 1416 y Alfonso se convertiría en el maestre de la orden. Con tan solo veinte años, pasaba a ser el depositario de todos los derechos de la orden paterna, con la consiguiente facultad de escoger a los caballeros que podían pertenecer a la orden y ser portadores de sus emblemas. Cabe la sospecha que Alfonso desmembrara sus alhajas para atender compromisos de todo tipo.

Es complicado seguir el rastro a lo largo de la historia de la orden en tiempos de Alfonso y las repercusiones iconográficas que tuvo en las obras que el nuevo rey mandaría a realizar. Aunque las joyas de la etapa napolitana del Magnánimo también se perdieran, quedan suficientes representaciones de las jarras que constatan la afección de Alfonso por la empresa paterna. Los grifos que flaqueaban y sujetaban las armas de Aragón podrían también tener un sentido emblemático. Aunque en el encargo de azulejos que se hizo a un alfarero valenciano para las dependencias del castillo no se mencione tal divisa, se han encontrado piezas de cerámica que dan fe de cómo las jarras decoraron algún pavimento real. En las techumbres y manuscritos tampoco falta el emblema fernandino.

Podrían ser políticas, diplomáticas o incluso personales las razones que pudiera tener Alfonso al proceder a la concesión del collar a miembros de diversos niveles sociales. Premió la devoción de personas que formaban parte de la corte regia y honró a aquellos que la frecuentaban ocasionalmente. No es de extrañar, que realizara collares de la orden o algunas jarras sueltas,  siendo bien refrendadas en los pagos de la tesorería real, principalmente en los últimos años de vida de Alfonso.

Tan solo un años antes de fallecer Alfonso, su sobrino Carlos de Viana, infante de Aragón y de Navarra, le visitó en Nápoles a eso del año 1457 para solicitar apoyos y alianzas. Señalar que una carta dirigida a la reina María cuenta el honor que Alfonso hizo a Carlos al desprenderse de su propio collar de las jarras para ponerlo en el cuello de su invitado, junto con la estola. Era una joya muy costosa ya que entre las garras del grifo había un gran diamante. En el año 1461 fue encontrado el destacado collar de la empresa fernandina entre los bienes de Carlos tras su muerte.

Columna que puede encontrarse en la edición de septiembre – octubre 2024 del Magazine Digital Hello! Arte

-¿Por qué narrar sobre este altar?-, me he planteado esta pregunta al comenzar la columna de este mes. El Ara Pacis es, al fin y al cabo, un poema narrado sobre mármol. Material compuesto principalmente por calcita entre otros minerales; piedra que fue nombrada por los griegos como piedra brillante por su luz y que muy pronto fue utilizada para el arte de la escultura y monumentos varios, un material rocoso que pulido llega a tener un alto brillo refractando la luz solar. Retomando con el artículo que nos ocupa, la piedra de mármol recoge leyendas sobre sus propiedades espirituales donde se le atribuye la influencia para tomar decisiones y fomentar la renovación en la vida. Piedra de iniciativa que ayuda al que la usa a ser más atrevido y valiente e incluso tendría efectos revitalizantes. Expresa serenidad, benevolencia,… siendo la calcita un poderoso amplificador de energía separando las negativas del lugar y del cuerpo, mineral relacionado con la conciencia superior  y restaura la esperanza. – ¿Serían estas propiedades místicas que ofrece el mármol, desde la perspectiva de la litoterapia, por las que los romanos se decidieron en utilizarlo para alzar el templo de estudio, un altar en honor a la Diosa Pax para la celebración de las victorias galas e hispánicas?-

La paz, un bien remunerado y muy escaso ya desde tiempos de romanos y plebe. Si queremos un mundo de paz  y de justicia hay que ponerse decididamente  la inteligencia al servicio del amor.

– Antoine de Saint-Exupéry

El Ara Pacis, al igual que cualquier templo, altar o monumento de la época de Augusto, despierta el interés y la curiosidad de las personas que asomamos al mundo del arte en un momento histórico bastante interesante. Desde una perspectiva tanto artística como histórica, fue una obra realizada para conmemorar la pacificación de las provincias de la Galia e Hispania. Tarea difícil que llevó a cabo con gran éxito el emperador Augusto en los primeros momentos del imperio romano.

El arte no es solamente algo ornamental, sino tal vez la vía más para transmitir un mensaje, por eso siempre arte y política han estado de la mano.

– Natalia Ojeda Garrete, Un viaje en el tiempo

Recordar que, la escultura romana combinó la perfección idealizada de la escultura griega clásica con una mayos aspiración al realismo. Por ende, absorbió las preferencias artísticas y los estilos de Oriente para crear imágenes en piedra y bronce que se encuentran entre las mejores obras de la antigüedad.

El misticismo relacionado y otorgado a los minerales es un tema que ya abordaron nuestros antepasado de antaño, cada piedra tiene su función y, aunque inerte, atraerá energías para la salud vital. Nada nuevo para los individuos que ya descubrieron el poder de las mismas en diferentes periodos de la historia, desde sumerios, hasta babilónicos o egipcios, pasamos a romanos y griegos, llegamos al Medievo y al Renacimiento, Edad Moderna,… nuestros días. Me pregunto, -¿ha cambiado algo después de tanto tiempo?-.

Columna que puede encontrarse en la edición de marzo – abril 2024 del Magazine Digital Hello! Arte

Teniendo en cuenta que es un periodo de la historia donde la religión cristiana dominaba sobre cualquier otra y que, toda construcción arquitectónica estaba orientada a estar lo más cerca del cielo y así de Dios, las catedrales de esta época debían de ser de un tamaño similar a los rascacielos actuales para así estar lo más próximo del santísimo Padre; ejemplo de ello es la Catedral de Colonia en Alemania siendo la más alta de la época.

Si basamos nuestro estudio en esta catedral, debemos mencionar que no existen muchos documentos de la época que nos puedan ayudar pero, a través de scanner, los estudios de cómo se hicieron las catedrales góticas se han enriquecido y han dado luz a muchas dudas. Teniendo en cuenta la altura a la que llegaban, los arquitectos medievales hicieron unas especies de agujas abiertas en las torres de las partes superiores para así no derrumbaran cuando hubiera mal tiempo. Para contrarrestar el peso, utilizaron en la parte inferior cantidad de bloques de piedra maciza; e insistimos, todo muy similar en la actualidad a los rascacielos que conocemos de las grandes ciudades estadounidenses.

La clave principal de estas catedrales tan características del Medievo, eran los arcos que unían las columnas. A diferencia de construcciones romanas anteriores, los arquitectos de esta época crearon el arco en punta donde el peso, que anteriormente se repartía hacia los lados de las columnas queda ahora repartido en las bases de las mismas dando mayor estabilidad y así poder adquirir más altura. Aún así, si eran demasiados altos los arcos, cabía la posibilidad de derrumbe con lo cual, se crearon unos muros de apoyo llamados “contrafuertes” que aliviaban la carga pero, con el inconveniente que restaban luz a la catedral. La solución a todo ésto fue la construcción en el exterior de altas vigas transversales, lo que se llamarían “arbotante” y así se recuperaría la iluminación que provenía del exterior y que, por creencia religiosa, pensaban que les acercaban a la luz celestial. Pero, -¿qué impedía que el techo se pudiera caer dentro de la catedral?- Visto desde abajo, da la sensación de que cuelga del aire, pero no es así. Se crearon las “bóvedas de crucería” que, sujetas por finas columnas conseguían que se mantuviera por si solo el techo.

Al ver la altura a la que llegan estas catedrales, la pregunta más frecuente es, -¿cómo las construyeron a tan altas sin que se derrumbaran?- La respuesta es sencilla, a través de andamios de madera hasta los mismos arcos. El gasto de madera fue excesivo. A continuación, apilaban bloques de piedra encima para construir la bóveda con una precisión extrema, tanto que la pieza central encajaba a la perfección. Posteriormente, rellenaban los huecos entre los arcos con ladrillos ligeros y los cubrían con “mortero”, un material parecido al cemento impermeabilizante. Finalmente, retiraban los andamios y quedaba listo. No olvidemos que, encima del techo abovedado había una estructura en forma de armazón de finas vigas de hierro.

-¿Cómo han sobrevivido en el tiempo con tanta altura?- La respuesta está bajo tierra, en los cimientos que equilibraban casi el total del peso del exterior. Destacar que, en la Catedral de Colonia, entre éstos se encontró agua para asentar la arena que había debajo de la catedral, entremezclada con roca volcánica y mortero.

Otra gran peculiaridad era la iluminación de esos grandes ventanales. La luz natural llegaba a cualquier rincón del edificio. El kit estaba en fragmentar las cristaleras en paneles y unirlos con plomo. No olvidemos que en aquellos tiempos se templaba a fuego el cristal y las piezas tampoco podrían ser muy  grandes.

Columna que puede encontrarse en la edición de enero – febrero 2024 del Magazine Digital Hello! Arte

El tema es tan antiguo como la vida misma; hagamos pues una recopilación breve y rápida a lo largo de la historia del arte en general. Comencemos por la época egipcia donde encontramos claros ejemplos de transexualidad en deidades como el dios asociado a la crecida del Nilo cuyo nombre es Hapi que proviene de Hep; un hombre barbudo y con mucha barriga con piel azulada o verdosa y que contaba con unos pechos caídos de mujer. Lleva una planta de loto sobre la cabeza y porta dos vasos que simbolizan los dos Nilos. De vestimenta tan solo un ceñido típico de los barqueros. Con esta simbología va tomando forma el tema que nos ocupa. Dioses con aspectos de hombre y detalles físicos femeninos, motivos decorativos propios de la feminidad,… todo un mundo aún por descubrir después de tantos años. Por ende, no podemos olvidar el fresco de Khnumhotep y Niankhkhnum encontrado en 1964 en una mastaba, sepultura de 4000 años de antigüedad en Saqqara donde se mostraba la escena de dos hombres abrazados y con las manos entrelazadas sugiriendo una relación sentimental. -¿Hermanos o amantes?-, es una cuestión que aún sigue en alza, juzguen ustedes.

Dejemos de un lado los Imperios Egipcios y sigamos adentrándonos en la historia. En este caso nos vemos al año 300 a. C. con Hermafrodito, un personaje de la mitología griega hijo de Afrodita y Hermes de los cuales recibió su nombre. Personaje con ambos sexos, una deidad bisexual que expresa la bisexualidad divina.

En la Antigüedad Clásica hubo manifestaciones andróginas. Históricamente estará relacionado con el culto chipriota de Afrodito que estéticamente mostraba un aspecto de una Afrodita con barba y con órganos sexuales de ambos sexos. Representación de esta leyenda grecorromana, y que no deben perderse si tienen la oportunidad de verla, es la escultura de Matteo Bonucelli de 1652 hecha en bronce y que pude verse actualmente en el Museo Nacional del Prado (España).

Otro claro ejemplo grecorromano es la conocida Copa de Warren, un antiguo recipiente elaborado en plata que data del Imperio Romano. Pieza única por estar decorada con dos representaciones homoeróticas, dos actos sexuales explícitos entre hombres de una gran calidad artística que fue compranda en 1911 por Edward Perris Warren (coleccionista y escritor estadounidense) en Jerusalén y puede verse en el Museo de Arte Británico. Llegados a este punto, somos conscientes de que aún queda historia por delante, me cuestiono… -si la sexualidad en cualquiera de sus manifestaciones no era mal vista ni prejuzgada, ¿por qué hoy en día sigue siendo un hándicap la normalización de algo tan natural como biológico y espiritual como es la entrega sexual hacia otra persona de tu mismo género?, ¿el ser humano va en retroceso?, ¿hay otros intereses ocultos sean políticos, sociales, económicos, etc.?-. Seguimos en este interesante recorrido y llegamos a una pieza donde se representa la escena de dos mujeres en acto lésbico. Dicha imagen fue hallada en el interior de una copa ática de figuras rojas que procedía de Tarquinia, circa 500 a. C. y expuesta en el mismo Museo Arqueológico de Tarquinia. La misma puede llevar a creer que es una simple escena de toilette femenina a una preparación del cuerpo con connotaciones rituales, iniciáticas o funerarias.

Estamos en 1769 ante la obra del artista francés Nicolás-René Jollain, “La muerte de Jacinto” y representa una de las más antiguas historias de amor diverso en la historia de la humanidad. Nos trasladamos ante la escena final del amor entre el dios grecorromano Apolo y el príncipe espartano Jacinto, quienes después de amarse en la isla de Delfos son víctima de los celos del  dios del viento Céfiro, quien al encontrarse enamorado del joven mortal le asesina al cambiar las corrientes y provocar que un disco lanzado por Apolo golpease su cara; ante la pérdida de su amado Apolo le convierte en la flor de Jacinto como símbolo de su amor.

Imagen de Bethsheba en el baño, Rembrandt y Carta de David

Demos un paseo por el Louvre (París, Francia) donde hallamos una obra “Sappho” de 1840 de Theodore Chassériau, un pintor romántico francés de origen dominicano. Este personaje era una poetisa lírica griega nacida en torno al año 600 a. C. y tan buena en su oficio que hasta Platón la llamó “La décima musa”. Sus alumnas la tenían en una gran consideración pues al parecer acababan todas enamoradas con los poemas que Safo creaba para ellas. La poeta tenía relaciones con ellas, un amor entre mujeres que se acabaría denominando lesbianismo al vivir ésta en la isla de Lesbos, o también conocido como amor sáfico. La vida de nuestra protagonista no era todo amor y felicidad. La poeta se acabaría suicidando desde la roca de Léucade, como se ve en este excepcional cuadro. Se lanzó al mar con el corazón roto cuando el amor de Faón no le fue correspondido.

Por este recorrido, nos trasladamos a México con la deidad Ometéotl. Se interpreta como un dios que poseía las cualidades de generador y receptor, masculino y femenino y, por ello, era dueño y dueña de todo lo que existía. Debido a ello, Ometéotl era de forma simultánea Señor (Ometecuhtli, Omecíhuatl) y Señora de la dualidad (Omecíhuatl). Se cree que fue el sabio Quetzalcóati quien lo creó.

Seguimos en China con la historia del Dios Conejo donde se desconoce la autoría de las diferentes estatuas representativas que existen hoy en día. Será en el siglo XVIII y principios del XIX cuando se crea un pequeño templo taotista en Taiwán. En la religión tradicional china, Hu Tianbauu (en chino: 胡天保) era un dios, el dios conejo al que los hombres de la ciudad de Fuzhou en la provincia de Fujian, rezaban cuando se habían enamorado de un joven y querían ganar su amor. Hu Tianbao,por tanto, era un dios del amor homosexual y parece que nació durante los primeros años de la dinastía Manchú Qing, en torno a 1644. Éste se enamoró de un joven magistrado y comenzó a perseguirlo de manera obsesiva. Un día, cegado por su pasión, espió al objeto de su deseo mientras estaba haciendo sus necesidades.

Al ser descubierto fue arrestado y torturado a base de bastonazos hasta que confesó su atracción por el magistrado. Éste, enrabiado, ordenó aumentar los golpes hasta que le provocaron la muerte. La leyenda narra que debido a que el crimen de Hu Tianbao era por amor, los funcionarios del submundo decidieron reparar la injusticia convirtiéndolo en un dios protector del amor homosexual. Podo después de su muerte, Hu se apareció a su mando para recriminar que un acto de amor no merece ser condenado a la muerte.

1595 Caravaggio en su obra “Los músicos” o en “El triunfo del amor” donde el autor se retrataba con toques de protesta visual hacia la sociedad. Habría mucho de qué hablar de estas obras pero nos centraremos en el aspecto de que el artista luchó durante su vida por ocultad su condición homosexual ya que, un artista de la época rival lo acusó de sodomía y fue encarcelado por ello. Pienso yo, -¿fue justo en esta época cuando comienzan los prejuicios?-. Podríamos hablar y hablar, la historia nos ha regalado muchos ejemplos latentes en el tiempo desde Henri de Toulouse-Lautrec con su obra “En la cama: el beso” (1892), Támara de Lempica con “Primavera” (1928), Alexander Glass, Laurence Philomene con una obra que representa a dos chicas besándose que en realidad son dos chicos vestidos de mujer (2019), Andrea Fonseca una joven ilustradora reivindicativa de los derechos LGTB (2023), y muchos artistas desde diferentes disciplinas como la música, la escenificación, la pintura, la literatura, etc. que han dado su punto de vista al respecto desde la naturalidad del ser humano.

Columna que puede encontrarse en la edición de julio – agosto 2024 del Magazine Digital Hello! Arte

Los mass media, así como las populares redes sociales, han contribuido hoy en día a la censura del desnudo femenino; con el paso del tiempo el espectro del mismo ha llegado a alcanzar la expresión artística del propio cuerpo masculino al natural.

En la actualidad, el arte moderno como lo conocemos va a conservar el romanticismo en la línea artística unida a la idea de crear novedad en las formas, el movimiento,… la existencia de una auténtica Historia del Arte y no solo la repetición de ideales estéticos antiguos abandonado la trascendencia y lo sagrado. La búsqueda de la simplicidad de la forma manteniendo la idea de eternidad en la obra como una realización finita del arte. Pasando desde El nacimiento de Venus de Botticelli, 1485; El hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci, 1490; Adán y Eva de Alberto Durero, 1507 donde pudorosamente se ocultaban las partes íntimas con hojas del famoso manzano; La Venus de Urbino de Tiziano, 1538; San Juan Bautista de Caravaggio, 1602; Las tres Gracias de Pedro Pablo Rubens, 1630-1635; el Desnudo femenino de Rembrandt van Rijn siglo XVII; Venus del Espejo de Diego de Velázquez, 1648; el artista sueco Anders Zorn (1860-1920) con pinturas llenas de vida y movimiento como Primera vez, Aire libre y Bañistas donde el autor muestra la desnudez con total naturalidad de la mujer desde distintas etapas biológicas de la vida; sin dejar de mencionar La maja desnuda del universal Francisco de Goya, 1795 llegamos de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso hasta el famoso Botero, Monet, Gustav Klimt y obras actuales como El Nudo de Pedro del Toro ganador del 1er Premio X Concurso Figurativas MEAM o el mismo Andy Greenaway 2023 y que podéis seguir a ambos por redes.

Después de un breve, rápido e interesante repaso por la historia y el desnudo en la misma nos surge la pregunta, -¿cuándo comienza la censura en las redes?-. Obras de arte y fotografía pixelada,-¿por qué las redes obligan a pixelar las imágenes?- Siempre encuentro la misma respuesta, -el algoritmo que sigue unos protocolos-; pero… -¿quién marca esas pautas protocolarias?-, -¿por qué tanto recelo a que se muestre la naturaleza de un cuerpo como tal, la belleza de la línea femenina y la robustez de las curvas masculinas a través de la belleza del arte?-, -¿dónde está el interés de tanto omitir lo obvio y lo que desde siglos se ha puesto de manifiesto en obras totalmente eternas y magistrales?-

Mil y una preguntas podríamos sacar en palestra y siempre la misma respuesta, -el algoritmo…- La sociedad de la cultura está dormida ante tal efecto mediático pero por qué existe la censura en sí. En ocasiones ha sido llevada a cabo para ayudar a las autoridades a proteger al individuo pero, en ese afán se desvirtúa tal protección cuando se ataca al arte con procedimientos implementados solo con la finalidad de controlar o suprimir determinados contenidos en internet haciendo caso omiso a situaciones reales de agresividad visual y sexual en redes y que están al alcance de personas de cualquier edad.

Abriga la esperanza plataformas como Don’t delete art que reivindica la libertad de creación en su web recopilando obras artísticas que eliminan algoritmos de las famosas redes que todos conocemos, por exhibir el cuerpo humano en todo su esplendor. Éste es como un tercer ojo que afecta a todo y que, incluso decide en nosotros y nos moldea con una suavidad que pasa de lo sutil a la influencia agresiva y manipulativa. No se limita a enseñarnos lo que, supuestamente, queremos ver sino que además se toma la libertad de eliminar aquello que considera que es perjudicial a los ojos o los sentimientos ajenos sin una valoración objetiva y real. Las redes son necesarias ya que facilitan la visualización como la misma difusión de las obras de arte que tiene como objetivos principales la comercialización de las creaciones o meramente compartir las reflexiones propias con los demás usuarios. En el tiempo actual, hay personas que encuentran censuradas sus creaciones artísticas debido a los errores de estos algoritmos que buscan eliminar de las redes materiales pornográficos o que puedan herir la sensibilidad provocando con ello, la eliminación de obras, el borrado de las cuentas de los mismos o la pérdida de seguidores. Directrices excesivamente estrictas y arbitrarias que no funcionan con el sentido común de ser capaz de distinguir entre una obra de arte y aquello que es contenido agresivo visual.

Para concluir os lanzo la pregunta, -¿es posible una solución que beneficie al arte y aúna la tecnología a la cultura bajo el respeto de lo expresivo y sensible apartando la frialdad calculadora del algoritmo falto de un cerebro pensante y biológico que discierna entre lo que es arte o no e incluso, lo que pueda llegar a ser censurable?-.

Columna que puede encontrarse en la edición de septiembre – octubre 2023 del Magazine Digital Hello! Arte

Hoy no disponemos a desvelar algunos de los mitos que envuelven a este joven faraón. Tutankamón tomó el trono a la edad de nueve años y su pronta muerte, a los dieciocho – diecinueve años de edad, hicieron proliferar diferentes hipótesis al respecto.

En la actualidad se puede escuchar aquello de que toda persona que se acerque a la tumba del faraón egipcio estaría condenada a morir en breve con frases tales como: aquel que osa perturbar la paz de estos restos mortales embalsamados cae víctima de la mala suerte, las enfermedades y la muerte, son las que se van a asociar a tal misterio y dar una solidez a las creencias es la maldición de Tutankamón.

Todo comienza en 1922 cuando el egiptólogo Howard Carter descubre la tumba en el Valle de los Reyes. Para Lord Carnarvon (mecenas que financió la excavación) tras la picadura de un mosquito en la cara que se le había infectado, le provoco una intoxicación en la sangre que le provocó la muerte. Consecuencia en pro de dicha maldición que hizo que la leyenda cobrara mayor. Ésta no sería la única desgracia relacionada con el hallazgo. El hermanastro de Carnarvon (testigo del descubrimiento de la momia) murió de igual razón; sir Archibald Douglas-Reid por la misma misteriosa enfermedad, y Gearge Jay Gold a causa de una elevada fiebre muere tras su visita a Egipto. De igual manera tampoco se salvó el radiografió a la momia de Tutankamón. La lista sigue, Carter regaló a su amigo sir Bruce Ingram algunos objetos encontrados en la tumba. La casa de este último terminó devorada por el fuego. Tras su reconstrucción, la casa fue destruida de nuevo. En resumidas cuentas, la leyenda fue creciendo y hasta los periódicos sensacionalistas de la época se cebaron con la noticia.

En el 2012 la maldición volvió a golpear fuerte. Las creencias hicieron especular que un virus trasmitido al ser humano por dromedarios avanzó a paso lento por Oriente Medio siendo éste originado por la maldición faraónica. Se trató de una enfermedad similar al SARS que estaba causando estragos extendiéndose por Arabia Saudí y dejando a su paso un mar de muertes. Era el MERS (Síndrome respiratorio de Oriente Medio), causado por un coronavirus propio de los murciélagos que vivían en las tumbas egipcias. Nuevamente, la leyenda maldita de las momias cogía fuerza. De las cincuenta y ocho personas presentes en la apertura de la tumba y del sarcófago de Tutankamón, sólo murieron ocho en los doce años siguientes. Nombrar que algunos de los periódicos ingleses llegaron a atribuir a la maldición la muerte de unas treinta personas.

Actualmente se han desechado teorías mágicas, la investigación científica del microbiólogo Raúl Rivas nos sugiere que la expedición encontró microorganismos dormidos durante milenios, téngase en cuenta algunos hongos de la especie Aspergillus, cuyas esporas pueden permanecer viables durante siglos o incluso milenios. Esto explicaría por ejemplo, la muerte de Carnarvon donde la explicación tradicional dice, como ya hemos comentado anteriormente, que su muerte fue provocada por la picadura de un mosquito que se infectó. Sin embargo Rivas junto a otros investigadores, afirman la posibilidad de una infección fúngica cuando el aristócrata inhaló esporas de Aspergillus en la tumba de Tutankamón. Esto le habría provocado una aspergilosis pulmonar de tipo invasivo, una enfermedad muy grave que terminó con su vida. Varios estudios dan fe de la presencia de esta clase de hongos sobre diferentes momias encontradas, como lord Carnarvon o como George Jay Gould quien estuvo presente en la apertura de la tumba y que murió tres años después del descubrimiento de neumonía. En nuestros días las supersticiones van perdiendo peso gracias en buena parte de las explicaciones e investigaciones científicas.

Por otro lado, además de esta curiosidad existen otros misterios que siguen desvelándose y viendo claridad con las técnicas que hoy en día disponemos. Hablamos en este caso de las teorías que intentan revelar la causa de la muerte del faraón y para ello, era importe extraer la máscara de oro y lapislázuli que cubría el rostro y reproducía la fisionomía del faraón. En la parte trasera de la misma podía leerse en egipcio un versículo del texto de los sarcófagos conjuro 531: te saludo a ti de bello semblante, poseedor de unos ojos que ven porque Anubis te los hizo, a quien Heptacosa exaltó, a quien Shu dio su apoyo. Amado por los dioses, por quien Ra contó a Osiris el secreto de la conspiración contra él para terminar con las injurias de Set. Tal vez puedas hacer de él un espíritu, tal vez puedas dominar por él a sus enemigos, tal vez puedas guiarlo a los bellos lugares del reino de los muertos, tal vez puedas derribar el complot de Set contra él. Viviré para siempre, es lo que ha sido ordenado. Seré eterno como el propio  Ra, para siempre. Fue imposible retirarla y se consiguió con sopletes rompiéndose en dieciocho trozos la misma. Los estudios dieron varias teorías que fueron desbancadas con nuevas hipótesis. La principal fue el propio suicidio del faraón o el asesinato, especulación que se apoya en el hallazgo en la parte anterior del cráneo un agujero. Tiempo después se descubre con una prueba de TAC que ese orificio se practicaba en los faraones de la décimo octava dinastía para introducir los líquidos para la momificación. Se tardó en demostrar lo contrario ya que en 1968 fue examinada con Rayos X, una radiografía algo confusa que confirma que recibió un golpe en la parte trasera de la cabeza, recordar que existían consejeros que levantaron las sospechas de haber perpetrado el hecho. Esa fue la respuesta que más peso cobró para explicar la defunción de Tutankamón. Tras encontrar una fractura en la pierna izquierda también se llega a la idea de que murió por un accidente que había sufrido el día antes de morir. En conclusión, en el siglo en el que vivimos la teoría más aceptada por los análisis de la momia, es que falleció por escoliosis o malaria que padecía.

Reflexionemos, cuántos misterios hay revelados, cuántos secretos, cuántas leyendas sin un raciocinio de base que sea fidedigno,… Egipto esconde miles de enigmas pero también muchas más respuestas pero, -¿estamos preparados para desvelarlas?-.

Columna que puede encontrarse en la edición de mayo – junio 2024 del Magazine Digital Hello! Arte

Actualmente el artista es limitado en redes por las censuras que ya hace años superamos con creces. Modelos al natural, cuerpos que representan la belleza corporal femenina sufriendo, en gran medida y diferencia, una discriminación censatoria al descubierto.

Hagamos un retroceso en la historia y viajemos al siglo IV antes de Cristo para hablar de un personaje que fue clave en la temática que nos ocupa, Praxíteles. Fue el más renombrado escultor griego clásico de aquella época y, se preguntarán ustedes… -¿por qué es tan relevante en el asunto en el que nos encontramos?- 

Conozcamos un poco más de él y, para ello vamos a destacar el carácter acentuado de sensualidad que muestra en todas sus obras y, tras varios estudios históricos, llegaremos a la conclusión que fue el primer escultor que utiliza una modelo femenina al natural. Sus obras estarán marcadas por la llamada kharis o gracia y la curva praxiteliana consistente en un elegante contrapposto. Nombrar a modo ejemplo Apolo sauróctonos copia romana que se encuentra en mármol en el Museo del Louvre o la famosa Afrodita Cnidia escultura votiva del mismo siglo.

Volvamos al punto de partida; la hija de Epliques era la amante y modelo del escultor, con lo cual, no es de extrañar que muchas de las Afroditas esculpidas por él tuvieron su cuerpo como canón de belleza griega.

Poco se sabe de esta musa y modelo que dio vida a esculturas que exaltaron la figura de la diosa del amor, la belleza, el deseo y todos los aspectos de la sexualidad. Conocemos de ella a través de leyendas y anécdotas curiosas como la que, a continuación, nos adentramos a descubrir.

Friné será el apodo de una hetaria griega (nombre que recibía en la antigua Grecia una clase distinguida de mujeres libres, que generalmente desempeñaban funciones de artista, contertulia, prostituta y acompañante). Mujer célebre por una majestuosa belleza nace en Tespias. Al parecer huyó con su familia a Atenas en el 375 antes de Cristo, año en el que los propios tebanos destruyeron nuevamente la ciudad poco antes de la Batalla de Leuctra.

Al poco tiempo, fue acusada de impiedad (una objeción pagana al cristianismo, podemos decir a modo ejemplificado que los primeros cristianos se negaron a quemar incienso ante las imágenes de los dioses, entre los cuales estaban emperadores deificados. La impiedad en las civilizaciones antiguas era una preocupación cívica, más que religiosa. Se creía que podría provocar la caída en la res publica toda la ira de los dioses tutelares que protegían a la polis). Siendo un delito condenado con la muerte; es el caso de Sócrates en similitud al delito de la que la acusaban.

Ella se había comparado con Afrodita y los jueces dictaminaron que debía pagar tal osadía con la muerte. Friné se defendió de un modo muy particular, se desnudó ante las miradas de sus acusadores y todos llegaron a coincidir en que desnuda parecía realmente una diosa y que el verdadero delito sería privar al mundo de tal belleza. Recordar que para los griegos, en esta época, la belleza es lo primero y siempre atraerá cosas buenas. Friné fue inculpada y pasaría a ser leyenda.

Si los griegos, ya en tiempos antes de Cristo, llegaron a apreciar y ver la belleza en el cuerpo femenino al desnudo, -¿por qué en los tiempos que corren aún hemos de censurar, principalmente en redes sociales, las mamaderas de los pechos de cuerpos femíneos?-

El arte proporciona libertad a través de la mirada crítica. La vida nos manifiesta la esencia del ser desde diferentes perspectivas y la imagen femenil ha de ser tratada desde una visión artística, como ella misma reclama y demanda al espectador. Disfrutemos de la belleza en su magnitud y dejémonos de prejuicios que mutilan la libertad de expresión artística.

Columna que puede encontrarse en la edición de julio – agosto 2024 del Magazine Digital Hello! Arte